47 compositeurs sont inscrits pour participer au projet d’Oeuvre Ouverte 2009

" EVOLUTION et IMAGINATION "

Paul ADRIAENSSENS (Belgique)

Paul Adriaenssens est né à Anvers en 1952. Il est autodidacte.

Quand il a quinze ans, il se met à expérimenter avec magnétophones, sons concrets et montages sonores. Depuis sa dix-septième année, il apprend à jouer la flûte et d'autres instruments à vent.

En 1975 il devient collaborateur du Studio de Musique Expérimentale (SEM) à Anvers en tant que compositeur et musicien. Entre 1976 et 1983 sa musique évolue progressivement de compositions acousti¬ques, électroacoustiques et 'live-électronics' vers des compositions sur bande, d'abord analogues, puis dirigées et générées par ordinateur. En 1986 l'élément acoustique disparaît complètement de sa musique.

Il fait des expériments de synesthésie dans le domaine audio¬visuel d'abord avec des séries de diapositifs depuis 1980, puis, à partir de 1989, sur support vidéo digitalisé, axé principalement sur une opération paramétrique d'éléments auditifs et visuels complémentaires. En général l'élément musical est généré sous forme digitale, contrôlé par logiciel.

Il arrive que le matériel audiovisuel soit intégré dans une installation, renforçant la connection avec les arts plastiques.

Depuis 1975, il a donné des dizaines de concerts. Il a été programmé plusieurs fois à la troisième chaîne de la BRT/VRT. Il a coopéré ou a été programmé à des manifestations et des festivals en Belgique, ainsi qu'aux Pays-Bas, en Pologne, Hongrie, Italie, Espagne, Irlande, Norvège, Japon...

Il a reçu une dizaine de commandes pour pièces musicales et audiovisuelles.

Il a contribué à des articles pour Documenta Belgicae-Music en 1985 et pour Troopboek en 1993.

Entre 1997 et 2003 il organisait des concerts électro-acoustiques pour SEM, avant que la nouvelle législation flamande sur les subventions ne rendât impossible toute activité non-commerciale. Dans quelques années, il s’établira à Gourgas, Hérault, France.

Liana ALEXANDRA (Roumanie)

Born: May 27,1947,Bucharest,Romania

Studies:

- "Ciprian Porumbescu" University of Music, Bucharest,Composition Department. Awarded the special scholarship „George Enescu“.

- international courses of composizion at Darmstadt,West Germany 1983

- an USIA stipendium in USA - PhD in Musicology At present: Master in music; Professor at the National University of Music from Bucharest (teaching orchestration,musical analyses and composition).Member of the Union of Romanian Composers,Member of GEMA(Germany),Member of „Frau und Musik“(Germany),The First Vice-President of the Cultural Association Romania-Israel(ACPRI),Member of the Research Board of Advisors(American Biographical Institute,USA),Member of the Professional Women‘s Advisory Board(USA),Member of the International Council Research(IBC,England), Member of LIVING MUSIC FOUNDATION Inc.(USA), Member of ECPNM(European Conference of Promoters of New Music). Compositions:

- she has composed several works (more than one hundred ),7 symphonies, 7 concertos for different instruments and orchestra, 3 operas, 4 cantatas, 1 oratorio, chamber music,choral music,music for children. Her compositions were published at :Editura Muzicala (Bucharest),Edition Modern (München),Edition Furore (Kassel), Score-on-Line (SUA). Its were played in played in Romania, S.U.A., Germany, Holland, France, Israel, Belgium, Poland, Austria, Sweden, Cehia,Australia,Spain England a.s.o. Liana Alexandra is also the author of the books:“Musical creation – an ineffable measure between the fantasy and the arithmetical and geometrical rigour“ and „Technics of Orchestrations“. Prizes and Awards:

- Prize of the Union of Romanian Composers–Gaudeamus Prize (Holland); -First Prize „Carl Maria von Weber“, Dresden;– Prize of Romanian Academy;–Diploma from „Who‘s Who in the World Dictionary“, USA;–Prize of Beer-Sheva, Israel;– Second Prize,Mannheim-Gedock, Germany;– Third Prize „Fanny Mendelssohn“,Dortmund-Unna,Germany;– ISCM Prize,Mexico;-„Woman of the Year“,USA;– „Woman of the Year“, Great Britain;-Prize ACMEOR, Bucharest;– Prize ACMEOR, Tel-Aviv,Israel;– „International Commendation of Success“, USA –„International Personality of the Year 2001“,Great Britain;–Researcher of the year 2001, USA

RYTHMES EN EVOLUTION" / "RHYTHMS IN EVOLUTION"

L´oeuvre représente une polyphonie formée par deux éléments en évolution: une structure homophonique et une structure rythmique.

Philippe AUCLAIR (France)
Né en 1952 à Culan (Cher, France). Après des études scientifiques et musicales, il se tourne vers des études de lettres classiques. Il suit des études de flûte traversière, percussions et piano, parallèlement aux classes d'écriture (Harmonie, Contrepoint), d'analyse, d'orchestration, et de direction d'Orchestre et de Chœurs au Conservatoire d'Issy-les-Moulineaux, en région parisienne, puis à l'école César Frank, à Paris. C'est en 1985 qu'il s'oriente vers les musiques dites expérimentales grâce au G.M.E.B, pour obtenir le D.E.M. de Composition électroacoustique, de musique assistée par ordinateur, et de Musique Mixte à l'Ecole Nationale de Musique et de Danse de Bourges en 1994 (Médaille d'or de la classe d'électroacoustique de Roger COCHINI).
Il mène des travaux de composition et de pédagogie dans le cadre de l'enseignement de la musique et des lettres : atelier de création musicale en collège (ATEL 4M) pour l'Education Nationale. Il crée également des installations plastiques (sculptures/extérieurs etc.).
Il reçoit des commandes de musiques pour le théâtre ("Le Renard du Nord", "Jeanne Duval"...), la danse ("Spirale", "Diabolus in Campanile"...) mais aussi pour des pièces de musiques mixtes (série des 4 "Canto de l'Oustal" pour flûte, saxo, clarinette et bande), des œuvres instrumentales et vocales telles que Quatuor de Flûtes, musique de chambre... oratorios pour choeur soliste et orchestre ("Légende de Saint Genes", "l'Exilée de Babylone", pour soli, chœurs, orchestre et électroacoustique, "Canzon de Santa Fe"...) incluant la musique électroacoustique ; le triptyque "KAZALBA" pour voix soliste et orchestre (création Mai 2001) ; et enfin des pièces de concert : "Rumeur dans les combrailles" pour saxo alto et sons fixés (Création Mai 2000), "Kaars Lichtjes in Limburg" pour 12 saxophones et sons fixés (commande du Conservatoire d'Issoudun).
1er Prix du 2ème Puy au Concours de Bourges 1995, catégorie « Musique pour la danse » avec "Spirale" ; Prix "Athanor" 2001 (composition et direction) / 2002 (Mérite Culturel).
Certaines de ses musiques sont éditées dans la collection « Chrysopée Electronique / Compendium international - BOURGES - I.M.E.B. ». Ses œuvres sont diffusées en concerts lors des Festivals «Synthèse» de Bourges depuis de nombreuses années.
Philippe Auclair est réalisateur d'une émission radiophonique hebdomadaire « Musique & Synthèse » depuis 1985.

Des espèces douteuses
Le titre est emprunté à un chapitre de « l’Origine des espèces » de Charles DARWIN (publié en 1859), auquel, entre autres, se réfèrent Christian CLOZIER et Françoise BARRIERE dans la présentation du thème de l’œuvre ouverte 2009 « Evolution et imagination ». BAUDELAIRE ajoutant en cette même année 1859, que « la nature est laide et je préfère les monstres de ma fantaisie à la trivialité positive », je propose ainsi à l’auditeur « les monstres de ma fantaisie » électroacoustique en ajoutant cette remarque de DARWIN : « Nous avons toute raison de croire qu’un grand nombre de ces formes voisines et douteuses ont conservé leurs caractères de façon permanente pendant longtemps, pendant aussi longtemps même, autant que nous pouvons en juger, que les bonne et vraies espèces. » A quelle espèce appartient donc notre musique électroacoustique ?

Alain BASSO (France)
Né en 1963 à Annecy. Il s’initie aux techniques électroacoustiques au Studio Collectif & Cie (Annecy) tout en explorant le sonore dans l’énergie de la musique rock avec le groupe Denier du Culte. Ensuite il étudie l’écriture musicale au Conservatoire de Genève avec Eric Gaudibert.
Dans la composition instrumentale, il transpose ses recherches antérieures sur la matière acoustique. Ses œuvres, présentées à de nombreux festivals ont été primées en 2003 à l’Académie Internationale de Lutèce (Paris) et IBLA Music Found (New York).
Il développe aussi des jeux interactifs avec le logiciel Max, qu’il a étudié à l’IRCAM (Paris), pour obtenir en temps réel les rendus du studio. Il exploite ces outils dans différentes formations dont l’ensemble Phaeton Dernière Danse, entre électronique et archaïsme, et Sol III, symphonie des rumeurs du monde.
Passionné d’ethnomusicologie, il lance avec le compositeur Alain Savouret, la collection Musiques Tracées de Savoie lors de sa résidence à Collectif & Cie. Il travaille sur des projets liant la musique contemporaine et les cultures de montagne à travers le spectacle Veillà d’Hivé ainsi que ceux de Phaëton Dernière Danse : Des Alpes à la Méditerranée et Transes Alpines.
Soucieux de l’éducation au son, il met en place une méthode d’initiation rapide à l’informatique musicale qui permet à différents publics de composer. Il a obtenu de nombreuses récompenses dont le 1er Prix du CIMES Radio France Internationale, en 2000, avec les élèves de l’école primaire de Chambéry-le-Vieux. Souhaitant l’implication des jeunes générations dans des démarches créatives, il imagine en 2005, avec l’ADMS à Chambéry, la mise en relation d’ensembles d’élèves avec des compositeurs dans le dispositif des Vagues Vocales pendant la manifestation Les Voix du Prieuré au Bourget-du-Lac.

Dissémination – Domination (2009)
La notion d’évolution est importante dans la musique électroacoustique, puisque que les outils nous permettent de modifier progressivement un timbre et le faire petit à petit passer d’une nature à une autre. Cette méthode est d’autant plus efficace qu’elle peut donner une sensation de causalité tout au long de l’œuvre et permettre à l’auditeur d’en saisir la forme.
Dans ce sens, le modèle proposé par Darwin me touche autant comme compositeur, que le sentiment exprimée par Baudelaire en 1859, à propos de son attirance pour le monde imaginaire, même monstrueux, mais éloigné de la trivialité. Nous cherchons souvent à nous surprendre, en suivant nos intuitions imaginaires, en quête de la moindre étrangeté à l’intérieur d’un son.
Cette pièce est une allégorie de ces deux idées. Elle utilise trois sons de notre univers civilisé : deux portes (dont une mécanique) et une machine outil (plus précisément un tour, en phase d’usinage). Mais à travers des transformations légères, les trois sons nous plongent dès le départ dans une jungle brutale. Progressivement sur plusieurs périodes, ils vont connaître de moins en moins de variations et perdre leurs caractéristiques primitives pour se rapprocher d’un réel froid et mécanique.

Jean-Louis BELMONTE (France)
Études:
1978 : Etudie la guitare durant trois années dans la classe de Mme Tuaz à Albertville, et le solfège à l'école de musique d'Albertville.
1989 à 1992 : Cours à l'école nationale de musique et de danse d'Annecy étudie
- La basse.
- La musique contemporaine, classe de musique électroacoustique dirigée par collectif et compagnie;
professeurs Bernard Donzel-Gargand et Philippe Mœnne-Loccoz.
Obtention d’une médaille de conservatoire.
Divers:
Cofondateur de Studio Forum
Technicien informatique en système et réseau diplômé d’état

"Galaxies acousmatique"
Je propose un travail sur l'évolution des sons en me basant sur le principe des mouvements stellaires et galactiques.
Tout n'est qu'évolution, métamorphose, rotations, spirales et éclatements...

Colin BLACK

Composer/sound artist Colin Black has been internationally recognized with the prestigious Prix Italia Award (2003) in the category ‘Best Music Radio - Composed Work’ for composing and producing his major work 'The Ears Outside My Listening Room'. BBC radio 3 has described this winning work as "a haunting evocation of Australia" while the National Radio Company of Ukraine invited Black to help adapt this work for a Ukrainian audience in 2004.

François BURBAN (France)
Né a Amiens en 1986. Après des études classiques dans les classes du CRR, des tentatives dans les facultés de philosophie et de musicologie, il retourne dans le droit chemin de la musique en rejoignant la classe d'électroacoustique dirigée par Etienne Saur. Parallèment à ces études, il achève le cursus d'analyse/culture et se passionne pour la recherche en pédagogie musicale.

Des abymes insondables à une mer sans soleil
Tel le fleuve qui cherche son chemin autour du Dôme, le poète comme le musicien construit son rêve.

Lucio Edilberto CUELLAR CAMARGO (1954),

Lucio Edilberto Cuellar Camargo born in Santa Fe de Bogota, Colombia, began musical studies at the conservatory of the National University of Colombia in his native city. In 1979, he moved to the United States, where he completed a Bachelor degree in piano performance at Kennesaw State University in Marietta, GA and a M.M. in music composition at Georgia State University in Atlanta, GA. Mr. Cuellar holds a DMA in composition from the University of North Texas. Mr. Cuellar works with sound synthesis, multimedia video pieces, music for acoustic instruments, as well as Mixed media (acoustic instruments and electronics/tape). His compositions have been performed in several International festivals of contemporary music in South America, Central America, North America, and Europe.

I would like to thank you for allowing many artists of the world participate in a project for the sake of art itself without aesthetic bias judgement or personal interest.

El Valle del fuego (2009)

El Valle del fuego is inspired by a documental, of the same title, realized by Argentinean reporter and photographer Antonio Balaguer. The documental describes a volcanic region localized in the heart of in the Peruvian Andes. The opening of the documental does allusion of a prehistoric past being present as one sees the smoky geysers and thermal waters in the middle of the volcanoes and snowy landscapes were the condor and the vicuña are the surviving main inhabitants. The documental evokes a place relatively close by in which Darwin had begun to develop his theories. My work describes the evolutions occurring every millisecond as time seems to be still to the human observer in this valle del fuego where pass and present are connected by an evolutionary link discover by Darwin.

Sampling Sounds used in the piece are as follows, guitar, piano, wind, water and fire sounds. Sound synthesis techniques utilized in the realization of the piece are convolution, phase vocoding, granular, AM, FM and additive synthesis. El Valle del fuego consists of two clear sound-scapes with heavy chaotic textures followed by textures of relative light calm motion. Contrasts in timbre define clearly these two sound scapes.

Akis DAOUTIS
Born in Athens in 1960. Graduated from Athens College in 1979. Studied chemistry at the College of Wooster (Ohio, USA) and got his B.A. in 1983. Graduate studies at Ohio University (1984-1986). Parallel studies in electronic music and collaboration with the Center of Contemporary Music Research.
His early works were presented in Bourges ’87 Festival and in World Music Days’88. He has composed a variety of electroacoustic works and has scored among others the music for K. Giannaris’ films ‘From the edge of the city’ and ‘One Day in August’.
The past 4 years, he is teaching at the Film Department of the School of Fine Arts, AUTH.

BIOFIELDS (June 2007)
The piece is an attempt to musically represent or map the structure of life, namely that of the DNA. eg: G A T C
C T A G
I used Algorithmic Arts, Bio2Midi to get patterns which could form the 4 building blocks or DNA bases.
Bio2Midi is a utility program that converts the text of a DNA or protein sequence to a MIDI file, which you can immediately audition, or import into any MIDI sequencer for further compositional processing.
As a raw material I used midi files that resulted from the conversion of the following protein sequences: Beta globin, Human alpha-lactalbumin,Human trypsinogen III precursor.

Joris DE LAET (Belgique)

Né en 1947 à Anvers, belge de naissance, autodidacte de nature, compositeur de musique paramétrique et de vidéo d'art par choix.

Hormis quelques années de leçons de musique à l'Académie de Musique (violon et violoncelle), il n'a reçu aucune formation artistique officielle. En majeure partie autodidacte, il s'est essentiellement intéressé aux démarches intellectuelles d'avant-garde. En particulier, ce sont les possibilités offertes par l'amplification du son qui l'intriguent ; cet intérêt le conduit même à construire ou adapter ses propres instruments.

Afin d'accroître l'intérêt du public pour la musique d'avant-garde, de Laet fonde le S.E.M. (Studio voor Experimentele Muziek) à Anvers, en 1973. Depuis 1973 cette organisation lui permet de promouvoir la musique électroacoustique en Flandres par l'organisation mensuelle de concerts dans divers lieux (les studios de la radio flamande Flemish Radio 2, la salle de concert deSingel), lesquels sont donnés par les principaux musiciens du moment. La tenue de conférences, séminaires et la diffusion de la musique sur bande ont permis de stimuler plus profondément la relation du public avec la musique expérimentale. En 1974, le SEMensemble est fondé dans l'intention de donner en direct des exécutions des techniques studio de post-production (une constante dans l'œuvre de de Laet), afin de permettre aux moyens électroniques de devenir une communication en temps réel. Lors des performances de cet ensemble, plusieurs disciplines artistiques (comme le théâtre, la poésie et les expérimentations avec la lumière) sont combinées en un tout par des compositeurs tels que Karel Goeyvaerts et André Stordeur. Pour les performances incluant des instruments traditionnels, il s'appuie sur le talent de Luc Brewaeys et Serge Verstockt, entre autres.

Lors de son stage à l'I.P.E.M. (Instituut voor Psycho-akoestiek en Elektronische Muziek) à Gand de 1972 à 1975, de Laet rencontre Karel Goeyvaerts ; collaboration qui aboutit à un certain nombre de concerts (dont une performance de Partiduur 12345) et d'œuvres (Tot Barstens Toe [Full to Bursting], MaskerSade). A l'IPEM il entre également en contact avec Lucien Goethals et le dr. Herman Sabbe.

Joris de Laet est Professeur de composition de musique électroacoustique au Conservatoire Royal d'Anvers.

Il est producteur à la Radio Central d'Anvers, d'une émission mensuelle consacrée à la musique électroacoustique.

Il est aussi cofondateur et vice-président de la Fédération Belge de Musique Electroacoustique (BeFEM/FEBeME). En 1997 il reçoit le prix SABAM de musique électroacoustique et en 2000 il devient membre du comité de la SABAM pour l'évaluation des compositions électroacoustiques.

Peter De MONCEY-CONEGLIANO
Maverick composer, unattached to any Institution, Peter de Moncey-Conegliano is mainly known for his short and longer electroacoustic works. He has also written several operas with a greater or lesser electroacoustic element as well as instrumental pieces and songs. Born 17th February 1948.. He was educated at Taunton's Grammar School Southampton, and the Queen's College Oxford, where he read Philosophy Politics and Economics, and acted in the OUDS productions of 'The Visit' and 'Agamemnon'. Whilst working as a left-wing trade union official/ telephone operator he studied Electronic Music and music theory at Morley College London 1975-77 under Michael Graubart, - and on the recommendation of Alan Bush whom he met through the Communist Party - composition and conducting under Aubrey Bowman at Workers Music Association Summer Schools 1988-1989. His operas include 'Hannele - the hippie opera', 'The Chartists', 'Cromwelliade', 'Robert Owen', 'The Poet' (about Robert Burns) , Thomas More's 'Utcpia', the 'Dialectics of 68', 'Stalinopera', and chamber operas - 'the tragedy of Vladimir Mayakovsky', 'Julian & Maddalo', Vergil's Aeneid' and 'Confessions of an English Opium Addict' . His piece 'Retrograde 5' - the soundtrack to the video 'Falling/Autumn Sonata' by Pia Videla-Hintze was played during the Edinburgh Festival 24th August 1999. His piece 'Amphibian Fogg' was played at a concert on 12th February 2000 at Newcastle upon Tyne University. His piece 'Burns Variations' was played on 11, 12 and 13 December 2000 at the Mirador Centre de Cultura Contemporania Barcelona. 'No go areas of Belfast and Londonderry' was played on 5th May 2001 at Queens University Belfast as part of the 2001 Sonorities Festival. His piece 'Winter' was played at Bourges Festival International des Musiques et Creations Electroniques 31 May-9 June 2002. His piece 'The Shout' - a collaboration with Chilean video artist Pia Videla-Hintze selected for Bourges 2003 and 'The Mother/ in praise of communism' also played at the festival. His piece 'Extended Moment' was played at Librecompleto Sonidos Fijados in Barcelona on 17th November 2002 and at Leeds University April 12th 2003. His piece 'Not in my name' also played at Sonidos Fijados in Barcelona 18th May 2003 and 1st June 2003 in Sheffield University UK. Four pieces 'Amphibian Fogg', 'Extended Moment', 'Abstract No X', & 'Anonymous Bingo Caller' were broadcast on Radio Centraal Antwerp Belgium 28.8.03. His piece Thesaurus2 for amplified harpsichord and tape was played by Jane Chapman at a concert in London on 28.3.06 as part of the SPNM's Sound Source series.. His collection of early writings 'De Moncey novelettes' was published in 2000. His novel 'Mysteries of the Silva sixties revisited' was published on the internet in 2000 but withdrawn two years later. His piece 'Hannele Overture' Parts 1 & 2(1975) can currently be heard on http://cec.concordia.ca/Radio/Long/Long. html.

ORIGIN OF THE SERIES
The poet Mayakovsky said in his memoirs “After electricity - I lost all interest in nature. An unperfected thing”.
Once we had electricity we gave up imitating nature with violins - or did we? Is art inspiration - ready-made original - coming out of nowhere or is it evolution? Building up and copying the past and taking it to a new level? Of course music evolves but do we make a man-made music of electricity and tone rows - or stick to the natural world of the harmonic series - or mix the both?
I get angry that our so-called education system forces us to be a white-coated scientist for the rest of our lives at the age of 11 instead of an original creative artist of no practical use to society. Although I will defend Darwin resolutely against the ‘creationists’(who create no art) - I am more Baudelairean than Darwinian.

Hervé DEJARDIN (France)
Le parcours d'un autodidacte :
Né le 15 avril 1965, dès 14 ans, il débute la radio: animateur, technicien, bidouilleur de radio libre.
Au début des années 90, il devient DJ et sillonne l'Europe.
Parallèlement il crée avec son ami d'enfance un studio dans lequel ils produisent durant 3 ans.
Depuis 8 ans, il suit des cours de piano et de solfège, plus récemment il s'intéresse à l'étude du chant et de l'harmonie.
Aujourd'hui ingénieur du son à Radio France, il appartient à ce petit groupe d'artisans du son qui enregistrent des reportages ou des concerts "live" partout en France pour France Musique, France Culture, France Inter, France Bleu, Fip ou Le Mouv'.
Ces dernières années, il a apporté son expérience d'ingénieur du son aux albums de jeunes artistes.
En 2004, il envoie "Evolu-Son", sa première composition de musique électroacoustique, à l'IMEB pour les "œuvres ouvertes".
En 2006, il réalise " Eau de vie".
En 2007, il est appelé par l'IMEB pour venir travailler en résidence à Bourges pour une commande. "Rail En Résonances", sa 3° œuvre, voit alors le jour.
En 2008, il crée ses premières compositions en multicanal 5.1 : "Révolu-Son" et "LocoJazz".
En 2009, toujours en multicanal 5.1 il compose "The Bolduc Sound".

Variations Electriques
Depuis plus d'un siècle, les modulations électriques tentent de ressembler à leurs sœurs acoustiques... D'un enregistrement de piano du 19è siècle au live d'un concert d'instruments amplifiés, Variations Electriques est une promenade dans le temps. Un temps où la phrase musicale s'est adaptée à l'instrument.

Clément DELAC (France)
Clément Delac est né à Perpignan, France, en 1985.
Depuis 2007, il étudie la musique électroacoustique au Conservatoire de Toulouse avec Bertrand Dubedout. En parallèle de ses études musicales, il poursuit un cursus en philosophie à l'université de Toulouse Le Mirail. Il vit actuellement à Toulouse.

De humani corporis fabrica
Noire la nuit
Je me baigne dedans

Recouvert d'étoiles

Je marche en aveugle

Tâtonnant la chair

Des restes épars du sombre

Elle soulève les feuilles mortes

Au pied de l'arbre

Ses veinures sont

Des tentacules puissantes

Qui m'enlacent le temps

D'une longue danse

Dans l'obscurité du jour

Qui suivra ma résurrection

Le diable sourit

De cette attitude nouvelle

Derrière le mur de schiste

Qui s'écoule

Charles DOUBLET SAMSOEN (France)
Charles Doublet Samsoen, musicien (batteur), et étudiant en électroacoustique au CRR d’Amiens (classe dirigée par Etienne Saur), qui a déjà collaboré à divers projets électroacoustiques tels que :
- la nuit des musées 2008
- conception sonore / musique, pour les arts du cirque 2009
- composition musicale pour spectacle de danse 2009

EUGENIE
La pièce sonore intitulée « Eugénie », entre dans le cadre du thème « évolution et imagination ».
« Eugénie » réunit deux autres intervenants :
Stéphane Séret: ( auteur d’ »Eugénie », musicien du groupe « La Faille »).
Laurent Pilniak : (interprète chanteur d’ »Eugénie », musicien chanteur du groupe « Ribo »)
CONCEPT DE LA PIECE :
Eugénisme :Théorie de l’évolution, Parabole stratégique, Utilisée à des fins politiques.

Jean Bernard EMOND

Depuis toujours, je suis passionné de musiques non conventionnelles, et en particulier à base de lutherie électronique. Avec mon épouse nous avons entrepris de monter progressivement depuis une dizaine d'année notre studio afin de nous aider dans la composition.

Myriam EMOND (France)

Née en 1973

Formation classique (violon, piano puis violoncelle) puis découverte de la musique électronique que j’aborde avec ma sensibilité « classique ».

Gerald FIEBIG (Allemagne)
Gerald Fiebig, né en1973, habite Augsbourg (Allemagne). Dès 1992, il forme, avec Mathias Huber, le groupe de musique expérimentale « die grenzlandreiter ». En 2004, il reçut le prix de composition du Sound-Art-Net-Work (partagé avec Gerhard Zander). Projets récents: Réalisation de la performance sonore « Monument acoustique pour Walter Klingenbeck » (par « die grenzlandreiter ») dans la série « Musique dans l’espace public » à Munich, diffusion d’une courte pièce d’art sonore, « grenzen los trommel », par Gerald Fiebig et Ibrahim Kaya, par Bayerischer Rundfunk (Munich), diffusion d’une pièce de musique concrète, « Public Transport. Musique anecdotique in memoriam Luc Ferrari », par Radio LORA (Munich). Dès 2006, Gerald Fiebig collabore avec l’artiste sonore Gerhard Zander ; ils ont joué plusieurs concerts, dont le festival « Experimentelle Musik » (Munich, 2006 et 2008), le festival « PAX 2007 » (Augsbourg, avec Martin Schmidt) et la série d’art sonore, « echokammer », organisé par Gerald Fiebig. Leur œuvre collective « Identification de substances » fut présélectionnée pour le prix de l’IMEB en 2007.

Espèce d’écriture
Le but de Scott de Martinville était de transformer le tissu sonore de la musique en écriture. Mais dans un mouvement en spirale, sinon dialectique, l’évolution de la technologie électroacoustique mise en marche par son phonotaugraphe a rendu possible de produire de la musique sans l’intervention de l’écriture (c’est-à-dire, sans notations sur du papier). Mais les idées qui précèdent la production musicale se manifestent toujours en forme de mots et, par là, d’écrits – comme la présentation que vous êtes en train de lire. Elle a été stimulée, dans une autre spirale d’associations et d’arguments, par l’appel à la contribution à l’Œuvre ouverte écrit sur le site Web de l’IMEB. Donc, la pièce Espèce d’écriture utilise les fiches Word de l’appel et de cette présentation-ci comme sources de sons. Les sons de base sont manipulés utilisant le logiciel Granulùf 3.4 avec le lequel on peut, faisant des gestes avec la souris qui ressemblent aux gestes de l’écriture, déchiffrer la représentation graphique d’une fiche WAV comme les lettres d’un texte. Ainsi toute l’écriture peut être transformé en musique. La pièce prend le chemin inverse vers l’origine du projet de Scott de Martinville. La fin de la spirale rejoint le commencement : La spirale métaphorique se transforme en canette électromagnétique (instrument important pour les procédés électroacoustiques !) ; le texte se (re)transforme en texture sonore.

Enrico FRANCIONI (Italie)
Enrico Francioni has achieved degree in double-bass and recently also in electroacoustic music at the Conservatorio "G.Rossini" of Pesaro.
We mention among his teachers: F.Grillo, E.Laine, F.Petracchi, W.Stert, B. Tommaso for the double-bass and E.Giordani for the electro-acoustic music.
As soloist, he was rewarded in different national and international competitions (Stresa, Genova, Ancona, Fivizzano). He interpreted in World Premiere (Firenze-1988) the Suite I for solo double-bass (Edition Schott – dur. 45') composed by F.Grillo; he followed the composition in the creative stages, agreed with the author.
The its you works of electro-acustic music they were performed and spread by: Oeuvre-Ouverte (IMEB, Bourges-France), Cinque giornate per la Nuova Musica (Fondazione Mazzotta, Milano-Italy), Il Suono aperto (LEMS, Pesaro-Italy), Festival Villa e Castella 2008 (Pesaro-Italy), FrammentAzioni (TEM, Udine-Italy), XVII C.I.M. (AIMI-IUAV-LaBiennale, Venezia-Italy) and recently one of his electroacoustic composition was
selected for International-Mix for VOXNOVUS 60x60 (U.S.A).
He has collaborated with Rossini Opera Festival, Accademia Bizantina, Orchestra Sinfonica della RSM, Orchestra Filarmonica Marchigiana, Orchestra Pro-Arte Marche, Orchestra Sinfonica di Pesaro, Orchestra Sinfonica Rossini and from 1986 to 1988 had been double-bass player in the Orchestra Sinfonica "J.Haydn" di Bolzano e Trento.
Self-taught composer, he is author of instrumental chamber music, musical theater, electro-acoustic music, educational music and essays (Edipan, EurArte, Mondo Sonoro and Wicky).
As composer, he was rewarded in national and international competitions ("E.Carella" Val Tidone-PV, "Città di Pavia" Pavia, AGIMUS Varenna-LC, Padenghe sul Garda-BS).
He was author and promoter of various musical events in the Provincia di Pesaro e Urbino.
He has recorded for Dynamic, Agorà, Orfeo, RSI, RAI, Edizione Discografica Cappella Sistina, Produzione ROF, La Greca Production and Classic Studio.
He was double-bass teacher at Conservatorio "G.Rossini" of Pesaro and he’s involved in several educational music activities.

Spirals of the dream
L’intenzione del mio brano di musica elettroacustica "Spirals of the dream" appositamente scritto nel 2009 per Oeuvre Ouverte, è quella di ricreare, come in una metafora, la condizione del mondo.
Il pezzo tenta di simbolizzare il dualismo in essere, che è anche espresso nella frase: "Evoluzione e immaginazione".
Dunque: da una parte la razionalità, il calcolo, la pianificazione, e, per opposizione, dall'altra, la libertà, l'irrazionalità, l'imprevedibilità. Questo accade anche in questo pezzo: da una parte il rigore della "spirale" (già rappresentatata dal teorico e matematico Archimede Pitagorico) e dall’altra, per antitesi, l’indefinitezza dell'universo fantastico del "sogno".
I due mondi in realtà non sono intesi come elementi opposti, ma, anzi, tendono a compenetrarsi come in un continuo orgasmo, vogliono generare un unico organismo, che in definitiva altro non è che l’abituale succedersi delle cose, delle idee, delle vicende nel cosmo e nell'universo tutto, come, e spero lo sia..., cerca di essere questa mia composizione.

Agapito GALÁN RIVERA. (Caracas, Venezuela, 1965)
Caracas 1965 Composer, Guitar Player/Visual Artist (summary) It realised his studies in the National Conservatory, School of Music Ars Nova and Museum of the Keyboard, plastic arts in the Institute Federico Brandt and MACCSI Caracas. Orquestration with Alberto Naranjo, composition with Diogenes Rivas in Venezuela and David De Puerto in Spain, and electroacustic and informatic music in the laboratory of the CDMC LIEM Center Queen Sofia in Madrid, participating in courses of Claude Balliff, Cristóbal Halffter, Jose Manuel López, Adolfo Núñez, Tomas Marco and Alfredo Del Mónaco. Graduated in Composition of the Central University of Venezuela UCV. Their compositions have been released in Venezuela, Latin America, U.S.A. Europe, presents in national and international events. Latin American Festival of Music and Atempo festival of Caracas, participated in the encounter Violoncello 2005 Belgium, IV International Colloquy Fagot 2005 France, II International encounter of Digital Art and the Festival of Music Contemporary 2006 in Argentina. In 2008 he was invited to the encounter of Ibero American Association for the cooperation in Music in ACIMUS Madrid. He has realised music for dance, cinema, theater and video-art. Member of artistic groups in Venezuela and Europe. Member of the directory of the Venezuelan Society of Contemporary Music-ISCM Venezuela.

DEVENIR
Starting off of an initial possibility: the recording, in this case of tremolo, realised with a piano. An effect that it involves simultaneously attacks and resonance. Happening of concrete it to the most basic transformations: juxtaposition of the same fragment and its positioning in reverse. In order to continue developing evolutions of the same material. Journeying extensions, transpositions, reverberation, echoes, distortions, equalizations, panoramic movement and the cut in pieces of the sample. Until being almost unrecognizable in its acoustic origin. In order to enter the land of the electroacustic and the mediations between texts, musical languages and intentions. Crossing and remembering in his to happen diverse possibilities of transformation and transducción in the sonorous matter. Evolutions happened through time in the union of the ideas, the reproduction and the mechanical, electromagnetic and electronic manipulation of the sound. From the simple recording to the computer science transformation.

Juan Jose GARCIA (Espagne)
Born in Hoyales (Spain). First musical studies in COUL of Cheste and UL of Tarragona. After an autodidact period he continues his formation in Conservatories of Cordoba, Teruel and Madrid where he studied composition mainly with Francisco Guerrero. Although he used recursive procedures based on fractals in works like Vuelo for harpsichord, techniques of discrete geometry and formal grammars, that he has developed in a different context, are guides of the formalization procedures since La Tierra Ubérrima for string quartet. Harmonizations of aperiodic temporal sequences, which are on the basis of the formal and rhythmic structures play a major role in Imágenes for two pianos, Ad Matutinum for mixed choir, Al-Yubb for large orchestra or Los límites móviles del agua for piano. These methods have been extended to the timbric domain in Estudio del Tiempo Iluminado II for computer, Yod for six percussionists and computer and Invertida Raiz for nine instrumentalists and computer where instrumental and temporal spectra interact. Selections and performances include: First Pierre Schaeffer International Computer Music Contest, Auditorium Roma Universitá della Musica, Ciclo Avui Musica, Mills College, Rassegna Internazionale di Composizione, Festival Internacional de Musica Electroacústica Primavera en La Habana , Cycle de Concerts de Musique par Ordinateur, Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, Ciclo Músicadhoy: La Nueva Generación, International Festival of Sound and Experimental Music, Rencontres Musiques Nouvelles, International Computer Music Conferences ICMC-2001 (La Habana), ICMC-2002 (Göteborg),ICMC-2008 (Belfast), ISCM-World Music Days-23 Music Biennale Zagreb, etc.

Zerkalo I-III
The two movements are part of a larger piece for instrumental ensemble and electronics. The basic timbres of the first one are transformations of seven types of pre-recorded piano sounds. The form has a rotatory character, and the timbric variations-evolutions are obtained by means of cross synthesis source/filter. The second movement appears without interruption, and represents a discontinuous evolutionary change as if it were performed in a virtual microtonal piano. Some of the underlying techniques used are generalizations of those described in the article "Harmonizations of Time with Non Periodic Ordered Structures in Discrete Geometry and Astronomy". Others correspond to spectra of mathematical functions obtained by concatenation of sinusoidal fragments with a motivation in the field of astronomy, although without correspondence with real physical models. In the light of the 1859 Darwin and Baudelaire thoughts, the poet´s sentence must be reinterpreted by distinguishing between the visions of Nature that the best part of science can offer us, which may intensify our interiority explorations, and the positive trivialities floating in the narrow mind of the worst part of the (also actual) scientific academic community. Baudelaire thoughts are a natural reaction against these and only in this way,as in the intention of this work, they can serve as a revulsive to speed up the necessary coexistence and mutual enrichment of several branches of knowledge.

Giosuè GRASSIA
Born in Naples, graduate in Disciplines of the arts, of the music and of the show near the university in Bologna and in Choral Music and Direction of Choir near the Conservatory of Music "St. Pietro to Majella " in Naples. Currently it follows the course of Electronic Music under the guide of Agostino Di Scipio. And' is teacher in the conservatories of Avellino, Potenza, Palermo, Monopolies. Currently it is titular near the Accademy of Music "Nicola Sala " of Benevento.
For a long time its musical affairs space in different directions: immediateness to unite himself/herself/themselves to the most unequal musical son-in-laws - experimentations and approaches of manifold sonorous materials markedly. Already from the end of the seventies his/her works, in collaboration with the theater of avant-garde as compositor and improvisation inside an experimental structure, they are transmitted by the center of production radioRai in Naples. In that period it collaborates with musicians to the limits of the area jazz.
He/she works using systems of synthesis what Csound, Max/Msp, Pure Date, SuperCollider.
Hocked in the field of the musical therapy (it has to his/her asset over 700 hours of formation near the SIPI (Society Italian Integrated Psychotherapy), you/he/she has developed searches on the perception of the sound and his/her effects, working in particolar way with children you cut from autism.
And' author of music thick elctro-acustics also with vocalist choir and tools "not conventional", of sonorous installations and it uses him in the search of sonorous materials "residual"
working and experimenting, to such end with particular microfonic plates .
You/he/she has collaborated with the Canadians Joane Hetu and Jean Derome and with the French double-bass player Joelle Leandre.
In 2005 you/he/she has been invited to the Festival International “Artacusmatic” (France) to introduce one composition of his during the evening "Horizòz Italie" devoted to the Italian composers. Always in France you/he/she has participated more times to the festival broadcast Festival radiophonique EPSILONIA

Èu Zèn # 3
Composition entirely founded upon sounds of piano.
The passage foresees two types of listening: a frontal stereo image and another back.
It foresees a diffusion quadraphonic, but equally to the two tracks can be listened only also on a stereo front.
Èu Zèn # 3 are the third of a cycle of compositions that they will have in common the presence of piano sounds, thought as a process of evolution, innovation and amplification of the possibility of the instrument.
Compositive process :
After having recorded the piano sounds each of them has been submitted to a treatment of synthesis with Phase Vocoder through software CSound the procedure of synthesis e has been effected with PVanal and filters Eterodina, the elaborate sonorous material has been reorganized in turn for the final layout with a software Adobe Audition. This elaboration represents the first track - the front stereo image - for the back stereo image instead fragments have been used (not elaborate synthetically) of the original piano sounds but reorganized in contrappuntistic way with the whole sonorous material of synthesis.

Thomas HILBERT
Né le 14 septembre 1981 à New York.
Depuis 2006 élève en classe de composition de musique Electroacoustique au CNR de Toulouse (France) sous l’enseignement de Mr. Bertrand DUBEDOUT, j’occupe également un rôle de formateur aux techniques de prise de son et de mixage sur plateforme audionumérique au sein d’une association résidente à Toulouse (France).
En parallèle, l’obtention d’une Licence en Philosophie, entre 2003 et 2006 faculté de la Sorbonne (Paris)/faculté du Mirail (Toulouse)-, m’a permis de nourrir mes chemins de réflexion au travers des concepts de temps et d’espace, notamment par la lecture et l’analyse approfondie de textes de Gilles Deleuze, d’Henri Bergson, des écrits d’Henri Michaux et d’Antonin Artaud. En attendant de conclure mon Master par l’écriture d’un mémoire Considérations sur le phénomène sonore au travers de la musique concrète (prévu pour 2009), je souhaite préciser mon action musicale afin de pouvoir répondre à mes désirs compositionnels. Ils se concentrent actuellement sur la composition de pièces acousmatiques, à leur diffusion en acousmonium, et à la mise en place d’installations de captation en temps réel via l’interface Max/MSP.

Fluide-Solide
Etude composée dans les studios de l’espace Pierre Schaeffer au Conservatoire de Toulouse en 2007.
Cette étude fut alimentée par l’utilisation de la synthèse analogique via le Kobol de RSF et le RS 8000 d’Analogue Systems. On y trouvera ainsi des oppositions énergétiques en termes de : continu/discontinu, aléatoire/déterminé, constant/impulsif et stable/instable. La fluidité de la matière dénote aussi bien une constance qu’un écoulement aléatoire des formes musicales, et ceci, par des glissandos révélant des figures sonores non délimitées dans le temps. L’aspect solide sera développé par une expérimentation des lois de perception des attaques (tels que Pierre Schaeffer en a fait l’analyse), une détermination des repères temporels et une variation continue dans l’émergence des formes articulatoires.
Depuis les rebonds et percussions jusqu’aux frottements et oscillations, ces modèles énergétiques feront apparaître un déplacement déterminé, mais subtil, des couches protéiformes de réalité…

Steban INSINGER (Argentine)
Steban Insinger was born in Argentina in 1974
Composer, teacher and sound artist, his work vary between the latest contemporary techniques and different popular gestures like mass electronics music or cumbia patterns.
He is now the director of the first laptop orchestra from Argentina.

Non linear evolution
From the speaking voice to computer synthetic voices, a non linear transformation between two spaces not quite different between each other.
Computer and human process create a scene with timeless acoustics reminiscences

Frédéric KAHN (France)

Né en 1966. Après des études de violon, Frédéric Kahn suit la classe de composition de Denis Dufour (1989/1993) au Conservatoire National de Région de Lyon, puis la classe de composition de Gilbert Amy, d'analyse musicale du XXe siècle de Robert Pascal et d'ethnomusicologie de Jean-Louis Florentz au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon.

Il suit également des séminaires de composition avec Philippe Manoury, Tristan Murail, Kaija Saariaho et Salvatore Sciarrino lors de l'Académie d'été de l'I.R.C.A.M (1993 et 1999), de Pascal Dusapin, Nguyen-Thien-Dao et Georges Aperghis au centre Acanthes (1994), de Brian Ferneyhough, Toshio Hosokawa et Johannes Schöllhorn à la Fondation Royaumont (1999).

En 2000-2001, Frédéric Kahn est sélectionné pour suivre le cursus de composition et d'informatique musicale de l'Ircam. à Paris où, sous la direction de Philippe Hurel, il suit les cours de Tristan Murail, Ivan Fedele, Brian Ferneyhough, Jonathan Harvey, Alejandro Vinão, Philippe Manoury et Marco Stroppa.

Dès 1996, il enseigne à l'université de Bourgogne "l'Esthétique des formes sonores" (1996-2000), et, depuis 2002, à l'université Lyon 2 (Département Musicologie) : "Informatique Musicale".

Les compositions de Frédéric Kahn abordent tous les types d'effectifs, du solo à l'ensemble, en passant par l'électronique et la voix et s'expriment dans des collaborations au carrefour des lettres, des arts plastiques, des arts de la scène et de l'expression sonore et musicale avec des écrivains, poètes sonores ou scientifiques, vidéastes et/ou plasticiens etc..., pour la réalisation de musiques, d'actions musicales ou de "spectacles" musicaux.

De même, sa réflexion sur la mise en scène et la mise en espace du son intègre l'espace (univers temporel multi-plan) et les nouvelles technologies et tente d'établir des liens entre l'écriture au sens large, les traitements électroniques et les morphologies sonores (« Pendant la matière ou l'espace furieux » pour tuba et dispositif électronique (Ircam, 2001), « Fragments d'un bel été », action musicale pour récitant et électroacoustique, d'après Trois visites d'Alain Pouillet (Césaré, 2003), « Les perspectives dépravées » pour alto et dispositif électronique (Grame, 2005) ou « L'Infini turbulent », musique électroacustique (Imeb, 2006)).

Frédéric Kahn vient de recevoir de la Sacem le Prix de la Meilleure Création Contemporaine Electroacoustique dans le cadre des "Prix de Printemps 2008".

Fabian KESLER (Argentine)
Composer, sound designer, keyboardist and performance artist. He has composed and interpreted music in different groups of varied musical styles, and in dance works, theatre, and video arts performed and/or played in differents countries.
As educational he specializes in harmony and rhythm, acoustic and electronic composition, history of electronic music, musical production with spacialization on surround system for DVDs and art installations. He also has experience with creating and programming sensors for live performance.
He has studied on UNQ (Quilmes National University, Argentina) and won a grant on Madrid, Spain (LIEM).

Chancha
Instead of taking a typical and analog “historical musical time line” from prehistorical percussion and flutes to modern computers sounds mounted all togheter, I prefer to take the term “evolution” in a more metaphorical way.
Evolution is, in general terms, a gradual change from one state to another one. A lot of things may evolute: an illness, a friendship, a problem, and a sound, as examples.
So I take a sound, just a sound, to make my work. And how I represent the evolution in that sound? Basically in four aspects:
1) In a spatial aspect: It will begin in a position, and at the end of the work it will be in a very different place. As the work must be in stereo, I´ll use as relevant the dynamics, the azimuth, the ambient sensation and HRTF to emulate tha my sound travels and that its position evolutes through the time.
2) In a timbrical aspect: My sound is a complex mix of some synthesis methods: Complex FM and AM, sustractive, additive, granular…so all their parameters will turn very important to create evolution states.
3) In a surface sensation aspect: Changing from fair states to rough ones.
4) In a comparative aspect: I think that to make the evolution more noticeable, is a good idea to compare the actual state with the previous states. The human is always comparing.
So, as an echo from the past, the old states suddenly will appear, as dreams with the past, the come and go suddenly.
The name of the song is a metaphorical homage to Chancha, my fish, on wich I can see a constant “evolution” in certain aspects, as I have it from a long time ago since it was very small.

Pavel KOPECKY (Rep. Tchèque)

I was born in Prague, on April 4, 1949. I began to study the piano when I was 8 years old and the cello at the age of 10. After graduating from the Electro-Technical Secondary School I was employed in the sound department of Czech TV in Prague.

In 1972 I passed the entrance examinations for university studies at the Academy of Performing Arts (HAMU - Music Faculty), where I studied composition, piano and music pedagogy.

Within the framework of the composition class I was chosen to attend the Summer Courses in Siena - Italy (prof. F. Donatoni). After completing my graduate composition for AMU (Concert for Piano and Orchestra), I was granted a post-gradual scholarship (for two years) at the State Conservatory in Moscow under prof. N. Sidelnikov.

Now I am employed as a teacher in the Department of Music and Sound at the Academy of Performing Arts in Prague - Film and TV Faculty (FAMU) and Jazz Conservatory (KJJ) - Prague.

Fernando LAUB (Argentine)
Born in Buenos Aires, Argentina.
He took part in several national and international competitions and festivals: 1994, 3º prize in the Nacional Competition of Sonoclips (LIPM). 1995, 1996 y 1998, selected in the same competition. 1999, mention in the 3° Cicle of Experimental Music (Instituto Goethe, Argentina). Participation in the VIII internacional festival "Primavera en La Habana 2000" (La Habana, Cuba). Mention in the 26º Internacional Competition of Electroacoustic Music (Bourges, France, récidence section, 2000). Works programed in the 12º y 13º Electroacoustic Music Week (FARME, Argentina), Festival Synthese “Work Overture Project” editions 1999 to 2008 and electroacoustic music concerts at Washington University (USA). In 2000 during a period of six month he was composing at LIPM’s electroacoustic music laboratory. At the present time he is working in a project called “Diente De Dierra” dedicated to spread new contemporary and electroacoustic music (www.dientedesierra.com) at the same time he is working in a 8 channel piece at LIPM’s laboratory.

BESTIARIO (2009)
A cell that evolves from his primitive structure up to turning into a complex organism full of shades and modalities.

Patrick LENFANT (France)
Né à Paris en 1945.
Sa rencontre avec l'univers musical électroacoustique et plus particulièrement « mixte » fut déterminante pour ses orientations ultérieures. Tout en menant une activité d'organiste il entreprit une formation approfondie des techniques électroacoustiques : classe de Fernand Vandenbogaerde au Conservatoire expérimental de Pantin, stages à l'IRCAM et au GMEB.
Simultanément une collaboration de plusieurs années avec les ensembles « Itinéraire » et « 2 e2 m » lui a fait rencontrer en concert ou en studio pratiquement toutes les situations techniques et musicales suscitées par ces moyens. Cette collaboration régulière avec ces deux Ensembles, ou ponctuelle avec d'autres comme l' « Intercontemporain »... l'ont amené à collaborer en concert avec les compositeurs : I. Xénakis, J. Cage, L. Nono, L. Berio, H. Pousseur, T. Murail, M. Lévinas, F.B. Mâche, T. Kessler... pour la réalisation de leurs œuvres.
Ses options de compositeur lui font privilégier, sans exclusive, le couplage en direct des moyens acoustiques / électroacoustiques c'est-à-dire la « mixité » dans des œuvres pour le concert mais également pour le théâtre, la danse ou les arts plastiques et photographiques.
Professeur titulaire de la Classe de Composition électroacoustique et d'informatique musicale au Conservatoire Royal de Musique de Liège, de 1980 à 2005.
Compositeur associé au Centre de Recherches Musicales de Wallonie à Liège.
Il crée l'Ousonmupo, l'OUvroir du SON et du MUsical Potentiels, équivalent sonore de l'OuLiPO en littérature.

Le rêve de Darwin
" Après son affreux cauchemar voici son rêve ...."

Andres LEWIN RICHTER
Born 1937 Miranda(Spain)
Musical studies with Vladimir Ussachevsky, Mario Davidovsky and Edgar Varese at Columbia University, New York, USA, studied engineering at Barcelona Polytechnic and Columbia University, New York, USA. Teaching Assistant at Columbia Princeton Electronic Music Center New York, USA (1962/5). Established the Barcelona Electronic Music Studio in 1968. Founding member of the Phonos Electronic Music Studio in Barcelona 1974 and its secretary since its establishment (Phonos Foundation). Secretary of Música Abierta (1960 1962). Executive Director of the ensemble Conjunt Catalá de Música Contemporánia (1968/1973). Secretary and vice president of the Catalan Composers Association (1976 1991, 2000-4). Coorganizer of ICMC 2005. Lecturer for History of Electroacoustic Music at Barcelona Escola Superior de Musica,
Composed works at the electronic music studios of Columbia University/New York, Phonos/Barcelona, Alea/Madrid, CDMC/Madrid, Cuenca/Spain, EMS Stockholm/Sweden and Basel/Switzerland. His musical output is mainly electroacoustic, having composed many works in combination with live instruments.

GENESIS (2009)
Starting from a short fragment played by a Japanese shakuhachi player the piece develops into a vast sound universe hardly to imagine, beginning with “ nothing” and ending in “nothing”, just like our organic world that surrounds us.

Alain LITHAUD
Physicien et violoniste de formation, effectue des recherches dans le domaine du timbre et des nouvelles techniques informatiques et collabore régulièrement au département Analyse-Synthèse de l’IRCAM.
Compose des œuvres radiophoniques comme "La Volüspa" créée à Ljubljana, des pièces de concert : pièces mixtes comme "Renonde", quatuor pour soprano, clarinette basse, flûte basse et machine UPIC, créé au festival de Musique Action Internationale de Nancy, ou pièces purement électroacoustiques comme "R-Mix" avec le programme Chant (de l’Ircam),
Enseigne depuis 20 ans “le son et son écoute” et l'écriture cinématographique à l'IECA (Université de Nancy II), entretient des rapports privilégiés avec l'image et la scène et compose pour des metteurs en scène (Christian Rist, Jean-Marie Villégier, Daniel Zerki, Jean-Louis Heckel...), des chorégraphes (Renate Pook, Christine Gérard, Daniel Dobbels, Brigitte Asselineau, Maïté Fossen...), des vidéastes, des plasticiens (Jaume Xiffra, Bertrand Gadenne, Didier Grassievitch...).

Wittwulf Y MALIK
1967-72 music studies in Hamburg and Detmold / 1972-76, psychology studies in Hamburg and Zürich. Since 1976 free-lance work as composer, composer performer, visual artist, performance artist and with experimental multimedia projects. Grants in Germany, Italy and Sweden. Teaching-work at a lot of universities and music academies. Exhibitions at a lot of galleries and museums. Concerts/Performances in nearly all Europaen countries and Canda and the US.

Leise leise", op. 144 / 2009
Electroacoustic music, hommage à Carl Maria von Weber
The music "Leise leise" plays with the romantic notion of pure soul and the pure art which is delivered in transcendence. But after a few bars, there is the chaos of nature symbolized by the polyphony of birds' singing and a thunderstorm disturbing the harmony, then man and with him the whole huge machinery and growing technology is taking over. The search and hope for redeeming transcendence remains preserved.

Stijn MICHIELS (Belgique)

Stijn Michiels started his musical journey with playing the electronic keyboards on the age of 8. After teaching reading the notes on his one, he started taking lessons at the age of 9. A couple of years later, he also started taking lessons on the pianoforte. In 2000 he won first price on the European competition for keyboard and organ in the category Belgium. In 2002 he started the music education at the Humaniora Kindsheid Jesu at Hasselt, with classical piano as first instrument and the alto saxophone as second instrument. Besides this education Stijn starts playing jazz with Arne Van Coillie as his teacher at the Conservatory of Hasselt.

At the age of 18, Stijn successfully graduated at the Humaniora Kindsheid Jesu, and started a Bachelor jazzpiano at the Royal Conservatory of Antwerp. Besides jazz he also started recording audio and developed a huge interest in electronic music, making music and sounds on the computer, composing and songwriting. At this moment he follows courses with Chirstoph Erbstösser for jazzpiano and Joris de Laet for electroacoustic composition and recordingcourses. In september 2009 Stijn opens his own school for Pop & Rockmusic at Diest. Stijn is also playing in a couple of music projects with diverse musicians from Belgium.

Shinichi MORITA (Japon)
Creative musical artisan with a keen interest in electronic synthesis started building electronic circuits like oscillators, and filters to generate individual musical sounds. In 1973, he began mixing individual sounds( ElectroAcoustics), and recorded musical compositions on realtoreal magnetic tape. In the 1980’s, with the advent of the microcomputer, the art and technology flourished. Today the art is pervasive with the personal computer and sound sources.

SHUNRAN (2009)
What kind of imagination do we need to do the artistic evolution? The special sound material may create the powerful imagination.

Serban NICHIFOR (Roumanie)
Born in Bucharest (Romania), 25.08.1954.
- STUDIES: National University of Music - Bucharest, Doctor in Musicology; University of Bucharest (Theology Faculty); Internationales courses of composition at Darmstadt, Weimar, Breukelen and Munchen; USIA Stipendium (USA).
- PRIZES: Amsterdam (First Prize Gaudeamus), Tours, Evian, Atena, Toledo, Urbana-Illinois, Trento, Roma, Bydgoszcz, Hong Kong, Jihlava, Karlsruhe,Koln, Newtown-Wales, Birmingham-Alabama.
- AT PRESENT: Professor at the National University of Music - Bucharest (Chamber Music Department); Member of UCMR (Romania), SABAM (Belgium), ECPMN (Holland); Vice-president of the ROMANIA-BELGIUM Association; Cellist of the Duo INTERMEDIA and co-director of the NUOVA MUSICA CONSONANTE Festival - with Liana ALEXANDRA.
- WORKS PUBLISHED AT: Editura Muzicala (Bucharest), Edition Modern (Munchen), "Pro musica Studium"(Roma), "Quadrivium Music Press" (New York), “Auralit” (Palermo), etc.
- SELECTION OF WORKS:: 6 Symphonies, Symphonic Pieces, 3 Concertos, 3 Operas, 3 Cantatas, 1 Oratorio, Chamber, Vocal, Choral and Electronic Music, Musicology (the treatise “Musica Caelestis” and the compendium “Introduction to Computer Music”).

NON-EVOLUTION
Cette meta-musique est générée par deux images sonores non-évolutives

Raphael PANIS
Né en 1976.
Cours d'électroacoustiques d'analyse musicale et d'improvisation à l'ENMD (Ecole Nationale de Musique et de Danse) d'Annecy en parallèle à des études techniques à l'IUT d'Annecy.
Concerts à Annecy (Concerts d'Hivers et d'Aujourd'hui, entre autres), Bourges (dans le cadre d'un concert de Studio Collectif et Compagnie), Montréal (dans le cadre d'un concert de jeunes compositeurs Français).
Ainsi que plusieurs "mise en son" d'expositions (Cachan, Sceaux, Annecy)

ENTROPIE ?
Entropie: En thermodynamique, fonction définissant l'état de désordre d'un système.
Couramment, par extension, on parle d'augmentation de l'entropie d'un système comme étant l'augmentation de sa complexité.
N'est-ce pas un peu ce qui se passe dans le domaine du vivant, de l'être monocellulaire au mammifère ?
D'ailleurs, n'est-ce pas aussi ce qui se passe dans toutes les constructions humaines ? Voyons la musique qui se ramifie en genre, sous-genres, sous-sous genres...
Entropie, ramification, voilà des termes propices à un petit jeu de variations. Ici à 2 niveaux.
Une séquence composée elle-même de 2 parties "lisse -non lisse", jouée 3 fois et évoluant vers plus de richesse sonore.
La partie lisse se contaminant et s'enrichissant. La partie non lisse construite à l'aide de courts motifs se modifiant aussi à chaque passage.

Charles-Edouard PLATEL (France)
Né à Calais en 1946
Il obtient la Maîtrise d ‘électronique, électrotechnique et automatique en 1970 à Lille.
Coopérant Volontaire du Service National en Côte d’Ivoire en 1970-1971, il profite de cette mission pour réaliser de nombreux enregistrements ethnologiques de musique africaine dans les villages du nord du pays, en particulier de musique de balafon. De retour en France, de 1972 à 1990 il est chef de projet informatique pour plusieurs entreprises industrielles, dans les domaines des signaux acoustiques, de l’automation et des communications. De 1991 à 2006, il intervient en consultant-expert des processus d’ingénierie du logiciel, en cabinet de conseil, puis pour France-Télecom R&D.En parallèle, de 1983 à 1992, après un stage au GMEB, il construit son studio de composition électroacoustique personnel et réalise ses premières compositions. Il utilise des synthétiseurs analogiques et FM, la capture phonographique et pratique le montage sur banc de magnétophones.
A partir de 1992, il adjoint au studio un ordinateur MacIntosh utilisé comme séquenceur et pour le montage, ensuite s’équipe d’une configuration permettant le montage vidéo + son.
Pendant cette période, ses notes prises pendant le travail de composition, pendant l’audition d’œuvres musicales de différents horizons (jazz, musique minimaliste, musiques du monde, électroacoustique) et lors de la lecture d’ouvrages de référence sont enregistrées, organisées et synthétisées sous la forme d’un essai, « Musique Imaginaire ». Il publie la première version sur son site web personnel en 1997. Son but est double :
- partager pédagogiquement les découvertes réalisée dans cette expérience d’apprentissage autodidacte de la composition électroacoustique
- capitaliser tous ces éléments pour guider sa démarche personnelle vis à vis de la composition.
A partir de 2006, fin de sa carrière industrielle. La musique représente désormais une de ses principales activités.
Il réactualise et publie « Musique Imaginaire » comme livre imprimé, incluant de nombreuses photos illustratives des analogies entre le sonore et le visuel. L’accès libre et gratuit au livre via le site imagimuse.net est conservé. Il est exploité journellement par plusieurs internautes francophones.
En 2005, sa composition « le Narval électrique », sur le thème de Jules Vernes, est sélectionnée dans le cadre de l’œuvre Ouverte du festival IMEB et sera créée au Festival Synthèse 2006.
C’est le tour de « Sawlogy » (ou « de la langueur des scies »), sur le thème de la mécancolie en 2007, qui sera créée en 2008, immédiatement suivie par le « Grand Soir », sur le thème de la révolution.
« Sawlogy » a obtenu en outre le second prix du concours Musica Nova (Tchéquie) en décembre 2007.
La liste des musiques de Charles-Edouard Platel comprend des oeuvres en vue de diffusion en concert électracoustique, quelques réalisations des débuts plutôt expérimentales, des bandes son de vidéos, et aussi plusieurs pièces récréatives ou amusantes.
Son premier album, IMAGIMUSE / 1, a été produit en décembre 2008

METAMORPHOSONIC
La musique évoque quelques transitions significatives dans l'évolution darwinienne, et peut-être les métamorphoses correspondantes dans le paysage sonore, du moins s'il y avait des auditeurs pour s'en rendre compte... mais nous sommes dans l'imaginaire!
Une nappe sonore continue se métamorphose donc lentement, depuis la marmite biologique océane jusqu'aux premières peintures rupestres, et entre les deux, l'auditeur y trouvera des paysages, des bêtes, enfin, ce qu'il voudra en fonction de ses propres phantasmes préhistoriques.

Laurent REDOLFI (France)
Après de beaux débuts dans la classe d’acousmatique de Perpignan sous l’enseignement de Denis Dufour, soudain, acouphènes, pertes de plusieurs fréquences, vertiges de ménière, et pour finir rupture d’un tympan !!!
Après une greffe, il se risque à une nouvelle création pour imeb : Origin/al/el

Origi/nal/nel
De l’originel vers l’original :
Pour ce faire j’ai utilisé le 1er son enregistré par Edouard-Léon Scott de Martinville : L'enregistrement d'"Au clair de la lune", réalisé par cet inventeur parisien en 1860 et je l’ai transformé en une nouvelle pièce « originale »

Matt RIEDEL (USA)
Matt Riedel is an instructor in music technology, theory and composition at Mason Gross School of the Arts, a division of Rutgers University in New Brunswick, New Jersey (US), where he received a PH.D. in Music Composition/Theory in 2001. He has been involved with electronic music since 1969, and has had his music featured on film, radio and television. Matt has studied composition with Richard Saylor, Ernst Krenek, John Crawford, Charles Wuorinen, and continues to study and explore the relationships between sound, space, and listener.

Evolution
Evolution is a process, not a goal.
It is a method of always growing, of always changing.
Never static.
Never the same at any time in the past, present or future.
I present the evolution of a sound, becoming another sound, becoming multiple sounds, evert growing in size, nature, and complexity.
Until the sound has evolved to one near its beginning.
But never the same.

Radoslaw RUDNICKI
Radoslaw Rudnicki is an experimental sound designer and composer who moved from Poland to UK in 2005. He makes music in various genres and creates his own interpretation of them. His pieces collide jazz and techno, sound synthesis with acoustic instruments and sample manipulation.
Radek graduated with his Masters by Research in Music Technology from the University of York and has just started PhD in Digital Composition under Ambrose Field?s supervision. Apart from making music, his interests include interactive audio, visual art and usage of new technologies for creative purposes. Radek has been shortlisted by SPNM this year. One of his Masters projects was exposed as a part of NODE.London Festival in 2008 in Area 10 Medialab. Radio Mlody Wroclaw, which is an alternative music radiostation in Wroclaw (Poland), was really keen on playing his tunes on the air. He also worked with Pixeloza.com as a sound designer and Hedonskate.com as a composer. He have also made remixes for artists like Tidy Kid (USA), Katapulto (Poland), FM Orchestra (Hungary) and Nude (Germany) among others.

Danc-Text-Origin
Dance-Text-Origin was made in late 2008. The piece is based on text, language differences as well as improvisation. Voice, the basis of this compositions’ rhythm, is accompanied by processed and synthesized sounds. The evolution of the sound is presented from clean voice to highly processed one. It creates the feeling of conversation of sound in space. Gamelan gongs and hang drum represent the ancient Asian sounds, while EMS VCS3 synthesizer, Elektron Machinedrum as well and digital granulated sounds take the full advantage of where progress is taking us. Usage of old analogue and modern digital technologies mixed with acoustic sounds can be a source of inspiration and therefore leads to evolved electroacoustic music. The foundation of this piece was origin represented by the means of improvised speech of the dancers. To make the sounds be unique, three people, each one of them represented different nationality, were asked to speak about their origin as well as problems they had to overcome while living in the foreign country.

Jorge SAD (Argentine)
Jorge Sad Levi est né à Buenos Aires, le 2 septembre de 1959. Il a fait des études de composition à la Faculté de Musique de l’Université Catholique Argentine et de composition électroacoustique à l’Université de Montréal, avec Marcelle Deschênes.
Il a obtenu le Deuxième prix aux Troisième Concours International de Composition Xicoatl (Salzburg, Austria 2008), a été finaliste au Concours Métamorphoses d´Orphée 2001 (Belgique) et il a obtenu mention d´honneur au Concours ACREQ/Banque Laurentienne (Québec, 1993) et au Concours Pierre Schaeffer (Italie, 2000). Aussi il a reçu le Premier Prix dans la catégorie Musique de Chambre au concours de composition de la Ville de Buenos Aires.
Ses pièces électroacoustiques, mixtes et de chambre ont été jouées en concerts et Festivals comme Musica Nova, (Sao Pablo), L´Espace du son (Brussels), Seoul Computer Music Festival (Seoul), Festival Latinoamericano de Música Contemporánea (Caracas), 3er Encuentro Internacional de Compositores (Santiago), Aspekte (Salzburg), Harvest Mon Festival (Montreal), Digital Music under the stars (Palo Alto).
Il a reçu des commandes du Studio Musiques & Recherches (2001), de la Fondation « Música y tecnología » (1997), du cycle de Musique Contemporaine du Théâtre San Martin (Buenos Aires) et de l’Université de Buenos Aires (2004).
Actuellement il enseigne la composition instrumentale et électroacoustique au Conservatorio Alberto Ginastera.

El mono de la tinta (Le singe de l´ancre)
Première pièce de la deuxième partie du cycle.
Le livre des êtres imaginaires, inspiré sur le livre homonyme de Jorge Luis Borges.
El mono de la tinta est une pièce qui se propose sur une très brève durée, illustrer l´évolution d´un matériau en état chaotique (au début) vers des situations des plus en plus déterministes.
Les sons toniques et la répétition d´un patron rythmique finissent par s´imposer, non sans dramatisme.
Les compositeurs aimeraient beaucoup que cette pièce soit considérée prochaine au style de l’électroacoustique rock – si ce terme existe.

Etienne SAUR (France)
Etienne Saur est né le 18 août 1958 à Amiens où il enseigne la musique électroacoustique depuis 1994 au CRR d'Amiens Métropole.
Elève de Pierre Boeswillwald et de Roland Cahen, associé aux projets collégiaux du studio Delta P de la Rochelle, oeuvre pour le théâtre , la danse et le concert de musique sur support, ose s'aventurer parfois sur les chemins d'une poésie mise en images par ses soins.

Une coccinelle, un foulard mal noué et la beauté meurtrie d'un sourire dans l'air du soir
Depuis Darwin, on soupçonne la " bête à bon dieu " (la coccinelle) d'être perfectible, en tout cas d'être en évolution, oscillant entre le miracle originel de la vie et le hasard que cette dernière réserve à tout être vivant, un mélange d'adaptation permanente à son environnement sur le long terme. Paradoxe de la coccinelle, au hasard de ses pérégrinations, on lui prête la mission, guidée par Dieu, de se poser sur le cou du condamné à mort, stoppant net la hache du bourreau, sauvant ainsi une vie humaine.
La qualité d'un matériau musical n'existe que par l'imaginaire d'un individu, qui trouve parfois dans un léger déséquilibre ou imperfection dû au hasard un charme plus puissant que celui d'un son à la mise parfaite : un son " mal noué " au même titre que le foulard, une beauté devinée à l'instar d'un sursaut harmonique " filtré " dans l'air du soir... Evolution en cours, écoute à suivre...
L'homme, perfectible lui aussi, confronté à des sons et des postures d'écoute changeants se verra-t-il doté de 2 ou 3 oreilles supplémentaires dans les siècles à venir ?
Cette pièce prend son point de départ avec l'enregistrement de Edouard-Léon Scott de Martinville, un typographe français qui " enregistra " 10 secondes d’une voix de femme chantant « Au clair de la lune » dès 1860 à l'aide de son Phonautographe. Le phonautogramme résultant, conservé à l'Académie des Sciences de Paris et à l'Institut de France (soit la transcription graphique des vibrations sonores à l'aide d'un stylet sur du papier noirci à la fumée), fut transcrit du stade graphique au stade sonore 149 ans plus tard (en 2008) par une équipe de chercheurs américains du Lawrence Berkeley national Laboratory.
Le reste de la pièce est un jeu et variations en spirale à partir du matériau d'origine.

Annie SCREVE DESURMONT, (France)
Née le 8 février 1948 à Tourcoing (59000).
- Apprentissage piano et saxophone, puis enseignement
- Pratique de l'informatique musicale depuis l’apparition de l’atari en autodidacte
- Peintre (huile), travail en galerie depuis 1974
- Licence de musicologie à Lille 3 (nord)
- Maîtrise de musicologie à Lille 3 (auditeur libre)
- Membre de l’équipe de chercheurs de l’EDESAC de Lille 3
- Membre du forum IRCAM (formations MAX Audiosculpt, Open Music)

VOYAGE
L’œuvre a été réalisée en 2008 et 2009 à partir d’un enregistrement de bol tibétain.
Cet enregistrement a été analysé dans Audiosculpt (partial tracking) puis à l’aide d’open music un fichier midi complexe a été élaboré(mon réservoir) puis retravaillé à l’aide de la library profile d’open music. Les différentes étapes de l’évolution du fichier midi original ont été jouées par différents samplers utilisant des sons enregistrés par moi-même, tantôt en 16ème, 8ème ou demi-tons.
Le montage final a été réalisé avec protools 8.
Quel miracle de pouvoir à l’aide d’un son enregistré de pouvoir élaborer des partitions précises jusqu’au 16ème de ton pouvant être jouées par des instruments réels (tout au moins jusqu’au 8ème de ton, laissons au sampler les 16èmes de tons)
La technologie laisse actuellement une liberté totale au compositeur pou gérer sons, notes espace (ici réduit en stéréo)

Roberto TERELLE (Italie)
Roberto Terelle nasce a Fondi (LT) – Italia il 10-03-1977 , si diploma in Perito Elettrotecnico all’ITIS “A. Pacinotti” di Fondi. Presso il Conservatorio di Musica “O. Respighi” di Latina, si diploma in clarinetto nel 2003 con voto 9.50/10 sotto la guida del M° Dario Bellardini. Ha tenuto corsi di perfezionamento al Bassiano Musicafestival, al 1°corso di perfezionamento e d’interpretazione musicale “Città di Nettuno”. Ha svolto numerosi concerti in qualità di solista e d’esecutore in varie formazioni tra le quali: Il Quartetto Darius di clarinetti, Orchestra Sinfonica del Conservatorio di Latina, Orchestra Sinfonica Nazionale di Kiev, Blu Orchestra.
È iscritto all’ente d’assistenza per i lavoratori dello spettacolo (Enpals).
Attualmente frequenta il corso di Musica Elettronica al Conservatorio di Latina, sotto la guida della Prof. Sylviane Sapir, Serena Tamburini.
Ha frequentato il laboratorio sullo stato dell’arte dell’elaborazione del suono in tempo reale e dell’uso del computer nella musica contemporanea tenuto dal M° Alvise Vidolin a Roma dal 01 al 06 dicembre 2008 presso il Conservatorio di Musica di Santa Cecilia, organizzato dall’associazione Nuova Consonanza.
Composizioni eseguite in musica elettronica:
• Il Pianoceano - per nastro solo
• Progetto 3x - è stato fatto grazie al software CSound per la sintesi per forma d’onda fissa.
• Latina – Fondi - per nastro solo (risultato idoneo alla selezione per Radio Vaticana).
Ha fatto numerose registrazioni in diretta per la formazione di cd audio in collaborazione col Conservatorio di Latina. Collabora come Tecnico del suono nelle registrazioni audio effettuate nella Sala Concerti dell’Officina Musicale a Santo Stefano di Sessanio (AQ), direttore Orazio Tuccella.
Ha inciso musiche da film come Tecnico del suono (recording engineers) per la “CAM Original soundtrack” e “Warner Chappell Music”, presso lo Studio Elettra a Calvi dell’Umbria. Attualmente è docente di clarinetto presso l’Istituto Comprensivo di Campagnano di Roma.

NaturaMix
Il tema di questa composizione è il bisogno di riavvicinarsi ai suoni naturali e di riscoprire i propri paesaggi sonori; indici di una trasformazione- evoluzione della nostra specie e del suo ambiente.
La vita oggi fa sentire la carenza dei suoni naturali che appartengono alla cultura primigenia di ogni essere umano. L’impossibilità di ascoltare il vento, un grillo, o le foglie che cadono, suoni coperti dall’inquinamento acustico presente in ogni città, crea nell’animo umano una sensazione di assenza ed estraniamento.
E’ solo dall’inizio del XX secolo che l’evoluzione della nostra specie ha portato ha queste funeste conseguenze e l’uomo conserva ancora memoria di un mondo sonoro diverso di cui sente e rimpiange la mancanza.
Grazie alla Tecnologia, applicata alla musica, permette di ricomporre “I Paesaggi sonori” e come le trasformazioni dei suoni permettono di far viaggiare l’immaginazione di ciascuno di noi attraverso spazi mutevoli dove il reale (la fonografia) si confonde con spazi sintetici, composti ad hoc per ingannare la nostra percezione. La ricerca per le caratteristiche timbriche di questo lavoro si sviluppa in un ambiente naturale: inizia infatti con un crepitio di foglie e soffio di vento che è il “sound” di tutto il pezzo.
I suoni appartengono quindi al mondo della natura; la loro evoluzione è di conseguenza quella della elaborazione elettroacustica dei timbri da naturali a sintetizzati.
E’ la storia di un percorso musicale prima concreto e con un chiaro riferimento al mondo reale che va verso un ambiente totalmente sintetico.
I materiali sonori concreti sono la base per questa composizione. Per prima cosa ho registrato diverse sorgenti sonore ricercando, attraverso un ascolto proprio, eventi che rappresentassero il “Paesaggio sonoro” nel momento della registrazione; ho voluto fare diverse “Fotografie Sonore” che sono state il materiale di base da elaborare.
La fase di selezione e sistemazione è stata fondamentale per questa composizione. Tutto il materiale che non ho utilizzato per realizzare questo lavoro è stato catalogato e conservato – sia i suoni singoli che quelli che si possono definire “paesaggi sonori complessi” - in un archivio per futuri studi o utilizzi compositivi.
Dopo aver catalogato tutta l’intera registrazione per tipo di eventi concreti (vento,insetti,aereo, ecc…), ho isolato i suoni naturali dai rumori di sottofondo (traffico su strada) attraverso varie procedure ed analisi, tra cui la FFT (Fast Fourier Tranform) che permette di estrarre il contenuto frequenziale di un suono complesso e di descriverlo nel tempo in relazione all’ampiezza. Una seconda procedura è stata il filtraggio, in quanto i vari eventi sono stati ripuliti e nominati. Ho infine elaborato il suono con il programma Csound e ho realizzato il montaggio finale con Adobe Audition multitraccia.
La registrazione è stata effettuata nelle varie campagne del territorio “Lenolese”, alle varie ore della giornata (dal mattino alla sera), con un Dat portatile, una cuffia AKG K141 e un microfono stereofonico Sennheiser.

Jean-Pierre TOULIER (France)

Né en 1939 à Roubaix (France). Il y fait ses études musicales classiques au conservatoire. Puis il travaille en 1959 au Groupe de Recherches Musicales de la RTF à Paris. Après l‚écriture de quelques pièces de musique de chambre et d‚une « musique concrète » pour la scène (Wenceslas), s‚instaure un long silence musical.∑ jusqu‚à la veille de sa retraite professionnelle où il redécouvre sa phonothèque des années 1960. Il décide alors de se consacrer entièrement à la composition pour réaliser enfin son rêve de jeunesse. Au début de l‚année 2003 l‚institut Charles Cros lui donne l‚occasion de remettre « le pied à l‚étrier ». Il obtient une bourse de l‚ARIAM et de la SACEM pour suivre le cursus long du CCMIX (Centre de Création Musicale Iannis Xénakis).

Compositeur de musique acousmatique il écrit aussi volontiers pour instruments ou voix.

Corsin VOGEL (France)
Né en 1972 à Bâle, Suisse, Corsin Vogel vit et travaille comme artiste-compositeur et psychoacousticien entre Grenoble, Paris et Mathon (Suisse). Imprégné dès l'enfance par différentes formes artistiques, notamment les arts plastiques et l’architecture, et par divers courants musicaux, du rock aux musiques minimalistes, il se forme au chant et à la guitare, et s’intéresse particulièrement au timbre musical et à la matière sonore. Par la suite, il intègre des traitements électroniques et audionumériques à sa musique (avec le groupe semes). Ses études de physique à Strasbourg, Marseille, puis Toulouse le mènent à l’acoustique musicale par l’intermédiaire d’un doctorat sur la perception des ambiances sonores urbaines à l’Université Paris 6. En parallèle, il suit une formation musicale au Conservatoire d’Aubervilliers - La Courneuve (93).
Après ses études post-doctorales sur la perception et la signification des signaux sonores, il s’oriente vers la composition électroacoustique et mixte, tout en assurant la direction technique d’un programme de numérisation d’archives sonores (Institut National de l’Audiovisuel, Centre de Documentation de la Musique Contemporaine, Musée de l’Homme...) en milieu pénitentiaire et au sein de l’association Les Musiques de la Boulangère.
Aujourd'hui, il se consacre presque exclusivement à sa pratique artistique, qui se diversifie autour d’installations sonores dans les espaces publics et de compositions spatialisées. Par ailleurs, il enseigne depuis 2002 la perception auditive au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.
Son travail se concentre sur la conception et la re-composition de la matière sonore dans un environnement défini : de l’étude approfondie des sons et leur signification à la composition musicale, en passant par le design sonore et les installations sonores, il appréhende l’écriture musicale sous l’angle du timbre sonore et de sa spatialisation.
Ainsi, il se concentre en premier lieu sur le timbre musical, la reconnaissance - ou non - des sources, leurs couleurs sonores et leurs évolutions narratives. La matière et les objets sonores tels qu’ils ont été définis et composés par les fondateurs de la musique concrète sont à la base de sa démarche. Celle-ci s’oriente donc autour de la question du sens véhiculé, suggéré, par les sons, et en particulier, la recherche de cette limite perceptive entre l’objet sonore naturel - par exemple la voix parlée - et l’objet musical inouï - la même voix déformée au point d’être perçue comme un nouveau son instrumental original. Certaines de ses pièces sont composées à partir d'un unique élément sonore enregistré dans un contexte spécifique donnant sens à l’œuvre (Rencontre du Troisième Clic, Wylerhafen), quand d’autres œuvres mélangent des sonorités et une écriture instrumentale plus formelle avec des objets musicaux inouïs (Borgonovo via Paris, Cheminements).
Son écriture musicale s’appuie généralement sur une forme narrative, tel un scénario sonore. Elle se nourrit aussi en permanence de matériaux puisés dans des oeuvres musicales, littéraires et plastiques pour composer des univers perceptifs qui cheminent entre musicalité, références littéraires et environnements sonores concrets (Rouge Ruisseau, Cheminements). Dans ces univers, la spatialité et les mouvements des sources sonores, ainsi que la sensation d’immersion de l’auditeur, sont primordiales et constituent également une part importante de son travail.

Rencontre du Troisième Clic # Evolution (2009)
Rencontre du Troisième Clic # Evolution est une oeuvre construite sur l’idée de deux sons élémentaires qui se rencontrent et donnent naissance à une nouvelle forme sonore - une sorte de représentation en miroir des quarks, « briques » élémentaires de la physique subatomique, qui se révèlent lors de collisions de particules. Ces deux « clics » issus pour l’un, du monde analogique et pour l’autre, du monde numérique, vont progressivement apprendre l’un de l’autre et s’enrichir dans cet échange. Il s’agit donc d’une confrontation de deux cultures qui vont s’écouter et s’adapter pour en générer une troisième, plus évoluée.

Cette pièce est une libre imagination à partir de deux matériaux sonores originels : par déformations et traitements successifs de ces deux seuls clics analogique et numérique naissent d’innombrables types d’objets sonores. La nature, le temps, l’imaginaire et la technologie s’emparent donc de ces impulsions - par définition artificielles et sans durée - pour façonner une variation électroacoustique de l’évolution des « espèces sonores ».

L’œuvre se décompose en trois parties : la rencontre des deux mondes sonores, puis leurs échanges et confrontations, et enfin, l’apaisement dans la mixité des deux cultures. Elle constitue d’ailleurs en soi une évolution d’elle-même, puisqu’elle est inspirée d’une première pièce écrite en 2007, Rencontre du Troisième Clic (8'11''), mais rendue plus compacte, moins contemplative et où les repères spatio-temporels évoluent : le temps se contracte, l’espace se dilate.

Le titre de la pièce constitue évidemment un clin d’œil au film de Steven Spielberg Rencontres du troisième type, à François Truffaut, au désert de Sonora (un désert sonore ?) et à la communication sonore.